“Braveheart”, një luftë e përgjakshme për liri

 

 Nga Leonard Veizi
 
Mel Gibson fitoi pikët maksimale si aktor e regjisor, duke interpretuar Zemërtrimin skocez Uilliam Uolles. “Braveheart” i prodhuar në vitin 1995, është një epikë historike e drejtuar dhe e interpretuar nga Mel Gibson. Ndërkohë ky, i mbushur me luftime, vrasje e gjak, u kthye në një nga filmat më të njohur të viteve '90, që ka lënë gjurmë të thella në kinematografinë botërore...
 
...Nuk dihet shumë për Uilliam Uolles, i njohur si Braveheart apo Zemërtrimi, përveç se sipas një poeme të vjetër epike, ai bashkoi klanet e Skocisë dhe fitoi beteja të famshme kundër anglezëve përpara se të kapej, torturohej dhe ekzekutohej si tradhtar.
Filmi, i frymëzuar nga një poemë epike gati 12,000 rreshtash për Uilliam Uolles-in nga Harri Menstrëll dhe i filmuar kryesisht në Irlandë, shkaktoi një rritje të interesit për historinë skoceze, megjithëse u tha se përmbante pasaktësi dhe anakronizma të shumta historike. Kritikët vlerësuan veçanërisht skenat e betejës me skena masive dhe ekstravagante të dhunshme.
 
Filmi
Kinematografia është një nga arritjet kryesore të filmit. Filmimet e peizazheve skoceze janë të mrekullueshme dhe i japin filmave një ndjesi madhështie. Luftimet janë të përshkruara me detaje të sakta, të dhunshme dhe intensive, që përforcojnë atmosferën brutale të kohës.
Mel Gibson në rolin e Uilliam Uolles -it paraqet një figurë të vendosur dhe pasionante, duke ofruar një performancë të fuqishme emocionale që ka tërhequr shumë shikues. Personazhi i tij përshkruhet si një lider që mishëron shpirtin e lirisë, një burrë me ideale të forta që është i gatshëm të sakrifikojë gjithçka për kauzën e tij.
Ndërsa Braveheart bazohet në ngjarje të vërteta historike, ai ka marrë shumë kritika për pasaktësitë historike. Në film ka elemente të ngjarjeve dhe personazheve që janë ndryshuar ose shtuar për qëllime dramatike, si për shembull përfshirja e romancës së Uolles -it me princeshën Isabelle. Gjithsesi, këto ndryshime janë bërë për të theksuar aspektin dramatik dhe për të shtuar emocionin e tregimit, duke krijuar një heroizëm epik që rezonon me audiencën.
Një nga temat kryesore është lufta për lirinë, një dëshirë universale që prek çdo shikues. Në të njëjtën kohë, filmi eksploron sakrificën dhe pasojat e luftës, si dhe idenë e të qëndruarit besnik ndaj parimeve edhe përballë vdekjes.
 
Vlerësimi
“Braveheart” është nderuar me çmime të rëndësishme, përfshirë çmimin “Oscar” për Filmin më të Mirë dhe Regjinë më të Mirë. Pavarësisht kritikave për pasaktësitë historike, ai vazhdon të vlerësohet si një film epik i fuqishëm që paraqet një histori inspiruese dhe vizualisht tërheqëse.
Në fund, “Braveheart” qëndron si një film që, përmes forcës dhe ndikimit të tij vizual dhe emocional, na kujton rëndësinë e lirisë dhe guximit për të sfiduar padrejtësitë.
 
Ngjarja
Filmi tregon historinë e skocez Uilliam Uolles -it, një kalorës skocez që udhëhoqi rebelimin kundër pushtimit anglez në shekullin e 13-të. Ky film përmban elemente dramatike, aksion dhe romantizëm të ndërthurura në mënyrë epike për të krijuar një rrëfim emocionues mbi lirinë dhe sakrificën.
Në 1280, Eduard I i Anglisë, i njohur si "Longshanks", pushton Skocinë pas vdekjes së mbretit skocez, i cili nuk la trashëgimtar. I riu skocez Uilliam Uolles është dëshmitar i pasojave të ekzekutimit të disa fisnikëve skocezë nga Longshanks, më pas humbet babanë dhe vëllanë e tij kur ata i rezistojnë anglezëve.
Pasi babai dhe vëllai i Uilliam Uolles vriten në betejë kundër anglezëve, Uolles dërgohet në Evropën kontinentale për t'u arsimuar. Ai rritet nga xhaxhai i tij, Agajll.
Uilliam Uolles kthehet në Skoci si i rritur – i cili interpretohet nga Mel Gibson - dhe martohet me të dashurën e fëmijërisë, Murron – që interpretohet nga Kathrin MekKormak. Kur ushtarët anglezë përpiqen të përdhunojnë Murron, Uolles e shpëton atë, por ushtarët bëjnë një përpjekje të dytë dhe ajo kapet dhe ekzekutohet. Uolles pastaj drejton klanin e tij në masakrën e garnizonit anglez dhe ai vazhdon të luftojë për të dëbuar anglezët nga Skocia, duke fituar një numër gjithnjë e më të madh ndjekësish ndërsa historitë e bëmave të tij përhapen. Ai drejton radhët e tij të pakta drejt fitores në Betejën e Urës së Stirling, dhe më pas ai pushton Anglinë dhe pushton qytetin e Jork-ut. Mbreti anglez Eduard Longshanks – që në film interpretohet nga Patrik MekGohan - dërgon Princeshën Isabele, gruan e djalit të tij, për të negociuar paqen me Uolles, por ajo magjepset prej tij dhe bëhet aleate e tij. Ajo paralajmëron Uolles për një pushtim të afërt anglez. Uolles kërkon mbështetjen e fisnikërisë skoceze në luftën kundër anglezëve, por fisnikët hezitojnë.
Luftëtarët skocezë shtypen nga një ushtri e udhëhequr nga mbreti Eduard në Betejën e Falkirk pasi anëtarët e fisnikërisë skoceze tradhtojnë Uolles.
Uolles i kalon disa vitet e ardhshme duke u angazhuar në luftën guerile kundër anglezëve. Ai më vonë pranon të takohet me pretendentin pë fronin e Skocisë, Roberti Brus në Edinburg, por Robert dhe fisnikët e tjerë vendosin e kapin Uolles-in në kurth. Gjatë ekzekutimit të tij të gjatë dhe të mundimshëm, Uolles refuzon të nënshtrohet për të fituar mëshirë dhe në vend të kësaj thërret në mënyrë sfiduese, "Liri!"
Në 1314, Roberti, tani mbreti i Skocisë, përballet me anglezët në Banekbërn dhe u lutet njerëzve të tij që të luftojnë me të siç bënë me Uolles. Në një epilog, Robert Brus udhëheq skocezët drejt fitores ndaj anglezëve në Betejën e Banekbërn.
 
Historia
Në historinë Britanuike thuhet se ka disa dëshmi se Uolles shkoi në Francë në 1299 dhe më pas u kthye në Skoci për të vepruar si një udhëheqës i vetmuar gueril, por nga vjeshta e 1299 asgjë nuk dihet për aktivitetet e tij për më shumë se katër vjet. Kryengritja që ai kishte udhëhequr vazhdoi megjithatë deri në vitin 1304, në të cilën pikë shumica e fisnikëve skocezë iu nënshtruan Eduardit. Se sa kjo rezistencë e vazhdueshme ishte për shkak të ndikimit të Uolles është e pasigurt, por Uolles ishte i vetmi lider të cilit Eduardi nuk do t'i ofronte kurrë asnjë kusht kapitullimi dhe të cilin ai u përpoq me këmbëngulje ta kapte. Më 5 gusht 1305, Uolles  u arrestua pranë Glasgout nga Sir Xhon Menteith dhe, sipas dy kronikanëve të hershëm, nga tradhtia. Ai u dërgua në Kështjellën Dumbarton dhe më pas në Londër, pasi ndoshta e sollën para mbretit Eduard gjatë rrugës. Më 23 gusht 1305, Uolles u dërgua në sallën “Westminster”, ku u padit dhe u dënua me vdekje. Nuk pati gjyq sepse u shpall tradhtar i mbretit; Uolles e mohoi prerazi këtë akuzë, pasi ai kurrë nuk ishte betuar për besnikëri ndaj Eduardit. Po atë ditë ai u var, u hoq nga zorrët dhe më në fund iu pre koka dhe u nda në Smithfield. Koka e tij ishte vendosur në Urën e Londrës dhe gjymtyrët e tij u ekspozuan në Njukasëll, Berik, Stërling dhe Perth. Në 1306 Bruce ngriti rebelimin që përfundimisht fitoi pavarësinë për Skocinë.

"Crash", një përplasje çmendurore makinash dhe seksi

Nga Leonard Veizi

 
A mund të ndodhe kështu...l si pak vite më parë, në ditët e sotme apo në të ardhmen e panjohur? Përplasje makinash si në një aksident të makthshëm e të errët dhe pas kësaj tronditje e gjymtimi gjithanësh seks epshor... vazhdimisht seks. Tabloja është horror edhe pse skeda e përcakton si një thriller erotik. Sepse aksidenti me gjymtime nuk mund të kuptohet pa seksualitetin që vjen nga pas. Vetëm në këtë mënyrë personazhet e shpërfytyruar nga fatkeqësia mund të merrnin kënaqësinë e munguar dhe ta tejkalojnë atë për të shkuar drejt infinitit të pakuptimtë. Ndaj një shkrirje të tillë erotike të mishit njerëzor dhe hekurave të automobilit, regjisor kanadez Dejvid Kronenberg e përshtati pasi ish njohur me romanin tronditës të viteve 1970 shkruar nga britaniku Xhejms Gream Ballard, gjë që e ktheu vizualisht në një nga filmat më të veçantë e provokues të pas vitit 1990...
 
...Është fjala për filmin "Crash" apo i ardhur në shqip si “Përplasje”. Filmi është një prodhim kanadez i vitit 1996. Ai bazohet në romanin me të njëjtin titull të Ballard dhe kritika pohon se është një studim tronditës mbi seksualitetin, teknologjinë dhe alienimin në botën moderne. "Crash" përqendrohet te personazhe që zhvillojnë një fiksim seksual me aksidentet e makinave dhe pasojat e tyre, duke e shndërruar dhunën dhe mekanikën në burime të kënaqësisë dhe intimitetit.
 
Ideja
Në filmin “Crash” interpretojnë aktorët Xhejms Speder, Deborah Kara Unger, Elajas Kotes, Holly Hanter dhe Rosana Raket.
Historia përqendrohet në figurën e Dr. Robert Vaun, një ish-shkencëtar televiziv i kthyer në "engjëll makthi i autostradave".
Një aksident automobilistik që përfshin një producent të pakënaqur, Xhejmsin dhe një mjeke enigmatike, Helenën, i sjell ata, së bashku me gruan e Xhejmsit, Katerinën, në të njëjtën enë gjaku. Pas plagosjes në trafik pranë aeroportit të Londrës, Xhejms takohet me Voun. Rreth Voun është mbledhur një grup njerëzish të tjetërsuar, të gjithë ish-viktima të aksidentit, të cilët e ndjekin atë në ndjekjen e tij për të rikrijuar përplasjet e personazheve të famshëm të Hollivudit si Xhein Mansfilld dhe Xhejms Din, në mënyrë që të përjetojnë atë që rrëfimtari e quan "një seksualiteti i ri, i lindur nga një teknologji perverse”. Fantazia e fundit e Voun është të vdesë në një përplasje kokë më kokë me yllin e filmit Elizabet Tejlor.
Dhe nuk kalon shumë kohë para se të gjithë të inicohen në një nënvetëdije të çuditshme, të fiksuar pas vdekjes, fetishistësh sadomazokistë të aksidenteve me makinë, për të cilët metali i përdredhur dhe indet e mbresë janë kthesat më të fundit.
Ky lloj përjetimi nga personazhet bie në përputhje mbi temat e njohura për trupin e njeriut i cili bashkëjeton me botën e teknologjisë, dhe në një farë mënyre, rasti mund të bëhet që “Crash” të jetë një film pseudo-shkencor, veçanërisht pasi personazhet duket se e parashikojnë këtë martesë si normën e së ardhmes. “Crash” është përfundimi i natyrshëm i bashkimit të instinkteve dhe dëshirave tona më të ulëta, shtazarake, me një botë që përparon si një makinë pa mendje me teknologjinë dhe inteligjencën artificiale.
I diskutueshëm që nga çasti kur u shfaq premierë në Kanë - ku fitoi një çmim special të jurisë "për origjinalitetin dhe guximin" – “Crash” ka zënë që atëherë vendin e tij si një tekst kyç i kinemasë së fundit të shekullit të njëzetë, një traktat shqetësues joshës mbi marrëdhëniet midis njerëzimit dhe teknologjisë, seksit dhe dhunës, kjo është sa shqetësuese aq edhe magjepsëse.
 
Romani
Gjithçka nisi nga “Crash”, që është romani i një autorit anglez J. G. Ballard, i botuar për herë të parë në 1973 me kopertinë të dizenjuar nga Bill Bothten. Ai ndjek një grup fetishistësh të aksidenteve me makinë, të cilët zgjohen seksualisht duke inskenuar dhe marrë pjesë në aksidente automobilistike, të frymëzuar nga përplasjet e famshme të personazheve të famshëm.
Kur romani u publikua shumë kritikë e recensues u shprehën të tmerruar nga përmbajtja e tij provokuese. Romani mori komente të ndara kur u botua fillimisht. Një lexues i një botuesi ktheu verdiktin "Ky autor është përtej ndihmës psikiatrike”.
Një përmbledhje e vitit 1973 në “The New York Times” ishte po aq e tmerruar: "Crash” është, libri më i neveritshëm që kam hasur."
Megjithatë, opinioni retrospektiv tani e konsideron “Crash” si një nga veprat më të mira dhe më sfiduese të Ballard. Duke rivlerësuar “Crash”-in Zejdi Smith në ‘The Guardian” shkroi: "Crash” është një libër ekzistencial për mënyrën sesi të gjithë përdorin gjithçka”. Për trashëgiminë e Ballard-it, ajo shkruan: “Në veprën e Ballard-it ekziston gjithmonë kjo përzierje e frikës dhe eksitimit futurist, një pikë e ëmbël ku dystopia dhe utopia bashkohen. Sepse nuk mund të themi se nuk kemi marrë saktësisht atë që kemi ëndërruar, atë që kemi dashur gjithmonë.”
 
Filmi
Një nga temat qendrore të "Crash" është ndërveprimi midis teknologjisë dhe trupit të njeriut. Filmi eksploron mënyrën sesi makina, si simbol i progresit teknologjik, mund të bashkohet me trupin përmes aksidentit, duke krijuar një hibrid të dhunshëm mes njerëzores dhe mekanikes. Ky bashkim reflekton një obsesion të thellë që personazhet kanë me shkatërrimin dhe ripërtëritjen fizike përmes teknologjisë, një metaforë për mënyrën sesi njerëzit shpesh kërkojnë domethënie në një botë të dominuar nga makineritë.
Personazhet në "Crash" duket se janë të distancuar nga emocionet tradicionale dhe përjetojnë një boshllëk emocional që i shtyn ata drejt formave ekstreme të kënaqësisë. Aksidentet, plagët dhe deformimet fizike përbëjnë një mënyrë të re të lidhjes mes individëve, ku dhuna dhe traumat fizike shërbejnë si mjet për afrim dhe intimitet. Kjo përfaqëson një dekonstruktim të normave të zakonshme sociale mbi seksualitetin, duke e paraqitur atë si një fenomen të lidhur me dhunën dhe dëshirën për kontroll.
Filmi gjithashtu përqendrohet në idenë e tranzicionit midis jetës dhe vdekjes, pasi aksidentet shërbejnë si momente të ndërmjetme ku këto dy gjendje bashkohen. Akti i shkatërrimit përmes një aksidenti i çon personazhet në një pikë kufitare mes jetës dhe vdekjes, ku ata përjetojnë një lloj ripërtëritjeje ose rilindje përmes traumës fizike dhe emocionale. Kjo thellon idenë e filmit për të sfiduar kufijtë e njohur të realitetit njerëzor dhe seksual.
Në një kuptim më të gjerë, "Crash" mund të shihet si një kritikë ndaj shoqërisë bashkëkohore dhe mënyrës sesi teknologjia dhe kapitalizmi ndikojnë në marrëdhëniet njerëzore. Njerëzit në këtë film janë të shkëputur nga ndjenjat e vërteta dhe përjetojnë realitetin përmes përplasjeve të dhunshme dhe stimujve ekstremë. Kjo reflekton një alienim të thellë nga ndjesitë autentike, ku kënaqësia bëhet e mundur vetëm përmes formave radikale të përvojës.
"Crash" është një film që nuk u shmanget temave të errëta dhe kontradiktore. Ai na fton të shqyrtojmë sesi teknologjia mund të transformojë ndjenjat tona më intime dhe se si kënaqësia dhe dhimbja mund të bashkëjetojnë në mënyra të papritura. Përmes stilit të tij klinik dhe të distancuar, Kronenberg na paraqet një vizion të botës që është njëkohësisht tërheqës dhe i tmerrshëm, duke sfiduar normat e pranuara mbi seksualitetin, trupin dhe ndjenjat njerëzore.
 
Polemikat
Filmi u shfaq premierë në Festivalin e Filmit në Kanë, ku mori çmimin special të jurisë, një çmim unik që dallon nga çmimi i jurisë pasi nuk jepet çdo vit, por vetëm me kërkesë të jurisë zyrtare (për shembull, një vit më parë, u dha një çmim i jurisë dhe një çmim special i jurisë). Kur presidenti i atëhershëm i jurisë Fransis Ford Kopola shpalli çmimin "për origjinalitetin, për guximin dhe për guximin", ai deklaroi se kishte qenë një zgjedhje e diskutueshme dhe se disa anëtarë të jurisë "abstenuan me shumë pasion". Ai vazhdoi të merrte vlerësime të ndryshme, duke përfshirë gjashtë çmime “Genie”.
Publikimi fillestar i filmit u prit me polemika të forta dhe reagime shumë divergjente nga kritikët; disa e vlerësuan për premisën dhe origjinalitetin e tij të guximshëm, të tjerë synonin kritikën për të pasur një premisë kaq të çuditshme të mbushur me dhunë grafike. Që atëherë ajo ka zhvilluar një ndjekës kulti.

Drejtësia e Re në Shqipëri: 34 vjet fatura zullumesh mbi shpinë

Nga 

Leonard Veizi

 

Një herë e një kohë, kur njerëzia merrte lejen vjetore e shëllohej në diell para detit, u bë e zakonshme të përsëritej shprehja se as më pak e as më shumë por në shtator rrjeta e drejtësisë do të kapte një peshk të madh, sepse grepi nuk e mbante dot e këputej filispanja.

Shtatorët ikën një e nga një, dhe vetëm shkolla fillonte në këtë muaj të mbarë. Peshkimi nuk ecte për qamet.

Këto dy vitet e fundit, fushata e peshkimit është shtyrë për në tetor. Por keni parë ju që funksionoi e në rrjetë kanë mbetur goxha peshq të mëdhenj. Ndoshta peshkaqenë... Edhe pse thuhet që në Adriatik nuk para notojnë nga këto lloj speciesh.

Me këtë rast ndoshta shpëtojmë dhe nga shprehja e moçme proverbiale se: peshku i madh e ha të voglin.

Shqipëria është në një pikë kthese, një periudhë ku drejtësia është bërë temë diskutimi i vazhdueshëm dhe shpesh i zjarrtë. Reforma në drejtësi, e cila mori hov të madh disa vite më parë, premtoi një epokë të re të drejtësisë së pavarur dhe të barabartë për të gjithë qytetarët. Megjithatë, pyetja që sot mbetet pezull në mendjet e shqiptarëve është: a po funksionon vërtet kjo drejtësi?

Ec e t’i japësh xhevap kësaj pyetjeje “Një” milion dollarëshe.

Në rrënjën e kësaj pyetjeje qëndron perceptimi publik, i ndërtuar ndër vite mbi një sistem të lëkundur nga korrupsioni, ndërhyrjet politike dhe mungesa e transparencës. Kjo trashëgimi e vjetër nuk është thyer me lehtësi. Reformimi i institucioneve si Prokuroria e Posaçme kundër Korrupsionit dhe Krimit të Organizuar – SPAK - dhe Gjykata Kushtetuese pati qëllim të largojë influencat politike dhe të krijojë një drejtësi të lirë nga presionet e jashtme. Mirëpo, për një pjesë të shoqërisë, veprimet konkrete ende duken të mangëta.

-Fshijeni atë parrullë, mos shkruani budallallëqe: Plani dyvjeçar do sjellë begatinë. Eh, sa djersë duhet derdhur që të vijë begatia.

Kanë kaluar 34 vite që Shqipëria po përpiqet të ndërtojë një sistem drejtësie që i ngjan diçkaje të drejtë. Megjithatë, për këta 34 vite, ka pasur një shpërfillje kolektive ndaj drejtësisë, si një restorant ku të ftuarit hanin e pinin pa e vrarë mendjen për faturën. Dhe, kur më në fund fatura erdhi, si çdo shqiptar me ‘kurajo’ financiare, kushdo që kishte tepruar nuk e kishte me mendjen të paguante.

Hajde simbolikë hajde. Shqiptarët vdesin të paguajnë... Por jo në këtë lloj restoranti, ama.

Ç’është e vërteta për më shumë se 30 vite me radhë drejtësia ngjante më shumë me një kalë që shinte grurin në lëmë.

-Hop, hop si në Evropë. Hop Salooo... hop Kuqooo...

Por ngjante dhe me një makinë pa motor që herë-herë duhej të shtyhej nga dikush për të marrë tatëpjetën. Por a ishte kjo për shkak të infrastrukturës së vjetër ligjore, apo mos ishte ndonjë marifet për të mbajtur ‘të ngopur’ ata që hanin shumë dhe nuk paguanin asgjë? Pikëpyetje që ndoshta edhe sot e kësaj dite mbetet ende pa përgjigje.

Një ndër arsyet kryesore për skepticizmin që ekzistonte ndaj sistemit të drejtësisë ishte fenomeni i pandëshkueshmërisë për figura të larta politike apo të biznesit. Nëse një qytetar i zakonshëm përballet me gjykatën për një shkelje të thjeshtë, ai e ndjen peshën e ligjit. Por kur bëhet fjalë për krime më të mëdha, si korrupsioni në nivele të larta, qytetarët shpesh shohin gjyqe të zvarritura, akuza të tërhequra dhe dënime të papërfillshme. Kjo diferencë në trajtim krijon një hendek të thellë midis drejtësisë teorike dhe asaj praktike.

Kur në sekuencën e filmit “Nëntori i Dytë” Luigj Gurakuqi iu kthye mytesarifit të Durrësit me shprehjen se: Nuk ishin 500 vjet vëllazëri me turqit-osmanë, por 500 vjet hasha... të jep idenë e një paralelizmi, si të thuash se pasi fituam Pavarësinë, përveç 50 viteve që kaluam në diktatin komunist, të paktën 30 vite të jetës i kaluam me zullume pas dajakut, ku ata që ishin më të zotët në luftën e tregut, e konsideruan “Nënën Shqipëri” si një çanak ku mund të shtroheshe me lugën në brez. Dhe merr ç’të mundesh.

Mirëpo dhe ahengu me çingije mbaron një ditë. Ndaj duhet ta dish se pasi ke larë buzët dhe duart, - si Ponc Pilati, - të vjen dhe fatura. Se nuk beson më njeri tek “duart e pastra”. Ndaj duhet të paguash.

Por, duhet të kuptojmë se transformimi i një sistemi kaq të rrënjosur kërkon kohë e vet. Në të njëjtën kohë, presioni i brendshëm dhe ai ndërkombëtar për reforma të thella mbetet i lartë. Pyetja se sa do të zgjasë ky tranzicion drejt një sistemi të vërtetë të drejtësisë mbetet e hapur, por ajo që është e qartë është se Shqipëria nuk mund të vazhdojë të qëndrojë në pragun e reformës. Drejtësia funksionon vetëm kur është e barabartë dhe e lirë për të gjithë, pa dallime për pushtet, pasuri apo status.

Megjithatë janë 30 vjet zullume. Ndaj dhe fatura është shumë e gjatë.

Në fund të ditës, ky është një çast për reflektim të thellë. A ka kuptim drejtësia kur ajo shërbehet vetëm pasi të gjithë janë shqepur së ngrëni dhe darka ka përfunduar? Kjo mbetet ironia e madhe e drejtësisë në Shqipëri – ajo që gjithmonë vjen vonë, por më në fund mbërrin me pretendimin se çdo gjë është e ndershme dhe e barabartë.

Sot, në Shqipëri, qytetarët e shohin drejtësinë ende si një fushë beteje midis të shkuarës së errët dhe të ardhmes që ka dritë në fund të tunelit. Ajo që kërkohet është një drejtësi që jo vetëm mbështetet mbi ligj, por që gjithashtu ndan drejtësinë me integritet dhe përgjegjësi. Drejtësia nuk është thjesht një proces ligjor – ajo është një kontratë morale me shoqërinë. Dhe Shqipëria ende po përpiqet të gjejë çelësin e saj.

“Gandi”, udhëheqësi mitik i revolucionit paqësor

 

Nga Leonard Veizi

Megjithëse i ri në moshë, Ben Kingsli u shfaq në ekranin e kinemasë me rolin më simbolik të tij, atë të Mahatma Gandit. Apakkush tjetër do ta mishëronte aq shumë udhëheqësin paqësor të Indisë së shekullit XX. Ndoshta ngaqë vetë Kingsli kishte prejardhjen indiane, dhe kjo e bëri të ishte gjenetikisht shumë më pranë portretit të gjithanshëm të qënies mitike të Gandit...

...Filmi “Gandhi” u realizuar në vitit 1982. Ai është një bashkëprodhim midis Indisë dhe Mbretërisë së Bashkuar. Filmi u drejtua dhe u prodhua nga Riçard Atenbora nga një skenar i shkruar nga Xhon Brajli dhe me Ben Kingsli në rolin kryesor.
 
Debati
Regjisori Riçard Atenbora vendosi të bënte një film për Gandin që në vitin 1962 pasi kishte lexuar një biografi ku flitej për jetën e tij. Ai fitoi miratimin e Nehru, i cili në atë kohë ishte kryeministër i Indisë, dhe kaloi dy dekadat e ardhshme duke u përpjekur ta hidhte projektin nga letra në terren. Kur më në fund ai siguroi financimin, pati protesta nga kineastët indianë por dhe dhe të tjerë që ishin kundër mbështetjes indiane për realizimin e një filmi me regji britanike për një temë indiane. Filmi tërhoqi disa kritika për thjeshtimin e tij të historisë dhe pothuajse hyjnizimin e personazhit, por “Gandhi” në përgjithësi u prit mirë si në Indi, ashtu dhe në Britani dhe në Shtetet e Bashkuara.
 
Filmi
“Gandhi” u publikua nga Columbia Pictures në Indi më 30 nëntor 1982, në Mbretërinë e Bashkuar më 3 dhjetor dhe në Shtetet e Bashkuara më 8 dhjetor. Ai u vlerësua për ofrimin e një portreti historikisht të saktë të jetës së Gandit, lëvizjes së pavarësisë indiane dhe rezultateve të dëmshme të kolonizimit britanik në Indi. Vlerat e tij të prodhimit, dizajni i kostumeve dhe performanca e Kingslit morën vlerësime kritike në mbarë botën. Ai u bë një sukses komercial, duke fituar 127.8 milionë dollarë me një buxhet prodhimi prej 22 milionë dollarësh.
Filmi mori njëmbëdhjetë nominimet kryesore në çmimet e 55-të të “Academy Awards”, duke fituar tetë (më shumë se çdo film tjetër i nominuar atë vit), duke përfshirë ato për filmin më të mirë, regjisorin më të mirë dhe aktorin më të mirë (për Kingslin). Filmi u shfaq në mënyrë retrospektive më 12 gusht 2016 si filmi hapës në Festivalin e Filmit të Ditës së Pavarësisë, i prezantuar bashkërisht nga Drejtoria Indiane e Festivaleve të Filmit dhe Ministria e Mbrojtjes, duke përkujtuar Ditën e 70-të të Pavarësisë Indiane. Instituti Britanik i Filmit e renditi atë si filmin e 34-të më të madh britanik të shekullit XX. Instituti Amerikan i Filmit e renditi filmin në vendin e 29-të në listën e filmave më frymëzues.
 
Analiza
Filmi “Gandhi” është një biografi epike që përshkruan jetën e Mahatma Gandit, nga një çast përcaktues në 1893, teksa e hidhin nga një tren i Afrikës së Jugut për shkak se po udhѱtonte në një kabinë vetëm për të bardhët dhe përfundon me vrasjen dhe funeralin e tij në vitin 1948. Edhe pse një hindu praktikues, Gandhi përqafoi besimet e tjera, veçanërisht Krishterimi dhe Islami.
Kingsli arrin të sjellë një performancë të jashtëzakonshme, duke e shndërruar portretizimin e Gandit në një simbol të sakrificës, humanizmit dhe forcës shpirtërore.
Filmi trajton kryesisht rrugëtimin e Gandhit nga një avokat i ri i thjeshtë deri në udhëheqësin e lëvizjes paqësore për pavarësinë e Indisë. Ai nënvizon idenë se ndryshimet shoqërore dhe politike mund të arrihen përmes mosdhunës që nw gjuhwn indu quhet “ahimsa” dhe qëndresës paqësore e qica gjithashtu në origjinal quhet “satyagraha”.
Por Gandi do të mbërrijë në Indi, një komb qindra milionësh, i sunduar nga një grusht i afërm britanikësh. Ata sundojnë pothuajse me të drejtën hyjnore, duke mbajtur mbi supe "barrën e njeriut të bardhë" edhe pse nuk u është kërkuar ta bëjnë një gjë të tillë nga indianët. Gandi e kupton se indianët janë bërë qytetarë të klasit të dytë në vendin e tyre dhe ai fillon një program mosbindjeje civile që në fillim injorohet nga britanikët, më pas përbuzet dhe më në fund, me ngurrim, trajtohet, ndonjëherë me nënshtrim, ndonjëherë. nga brutaliteti.
Një temë e rëndësishme që përshkon filmin është konflikti mes perandorisë koloniale dhe aspiratave për liri e dinjitet njerëzor, duke shfaqur ndikimin e Gandit te masat popullore.
Performanca e Kingslit është e fuqishme pa qenë e zhurmshme; ai është pothuajse gjithmonë i qetë, i vëmendshëm dhe i butë në ekran, dhe megjithatë performanca e tij shfaqet me një fuqi të tillë, saqë më pas e kuptojmë se forca morale e Gandit ka qenë pas fjalëve të tij.
Ndërkohë lëvizja e Gandit ishte zgjeruarnë të gjithë vendin.
Gandi inkurajoi djegien e rrobave të prodhuara nga Britania dhe thurjen e rrobave të tjera për t'u veshur në vend të tyre. Kur një protestë përfundon me dhunë nga indianët kundër policisë britanike, Gandi fillon një agjërim për t'i dhënë fund përdorimit të dhunës nga protestuesit. Në një çast futet në burg për kryengritje. Në protestën e tij më të suksesshme, ai drejton Marshimin e Kripës drejt detit në mënyrë që indianët të mund të bëjnë kripën e tyre dhe të shmangin pagesën e taksës britanike për këtë produkt. Gandhi më vonë merr pjesë në një Konferencë të Tryezës së Rrumbullakët në Londër për të diskutuar mundësinë e pavarësisë së Indisë, por nuk arrihet asnjë marrëveshje. Gjatë Luftës së Dytë Botërore, Gandi dhe gruaja e tij, Kasturba, burgosen sepse folën kundër luftës. Pas përfundimit të luftës, një mëkëmbës i ri britanik, Lordi Mountbatten mbërrin për të lehtësuar pavarësinë indiane. Gandi argumenton për një vend të bashkuar hindu dhe mysliman, por udhëheqësi i Lidhjes Myslimane Mohammed Ali Jinnah beson se ndarja është e nevojshme për të shmangur luftën civile. Në fund, India Britanike ndahet në dy shtetet e pavarura të Indisë dhe Pakistanit. Kur shpërthen dhuna midis myslimanëve dhe hinduve në kufirin midis vendeve, Gandi fillon një agjërim të gjatë për paqe. Pasi e prish agjërimin, ai planifikon të udhëtojë në Pakistan, por i bëhet atentat para se të largohet.
Filmi krahasohet me dy vepra klasike të David Lean, "Lawrence of Arabia" dhe "Doctor Zhivago", në aftësinë e tij për të hedhur në pelikul një histori të fortë njerëzore.
Kingsley, me origjinë nga një baba indian, sjell një autenticitet kulturor në rolin e Gandit. Transformimi i tij fizik dhe shpirtëror është i thellë, duke përfshirë jo vetëm ngjashmërinë vizuale, por edhe tonin e zërit dhe mënyrën e tij të qetë të komunikimit. Aktori kap kontrastin e karakterit të Gandhit – një njeri i thjeshtë, por i pathyeshëm përballë padrejtësisë dhe brutalitetit kolonial. Kingsli arrin të përfaqësojë dualitetin e liderit si një figurë e dashur nga njerëzit e zakonshëm dhe një person i mbushur me dyshime të brendshme.
Filmi kombinon një qasje realiste në skenat historike, siç janë masakra e Amritsar-it dhe marshimi i famshëm i kripës, me momente meditative që nënvizojnë jetën shpirtërore të Gandhit. Ndërtimi i këtyre skenave jo vetëm që përshkruan betejat politike, por sjell gjithashtu përplasjet ekzistenciale të Gandhit për të gjetur kuptimin e dhimbjes dhe lirisë. Simbolizmi i tij i përdorimit të mjeteve të thjeshta – si rrota e tjerrjes – për të përfaqësuar vetë-mjaftueshmërinë dhe pavarësinë është një aspekt që e bën këtë film të thellë dhe të fuqishëm.
“Gandhi” është një film që i flet si të kaluarës, ashtu edhe të tashmes. Ai shtron pyetjen se si duhet të reagojë individi dhe shoqëria ndaj padrejtësisë dhe dhunës, duke sugjeruar se mosdhuna është një mjet i fuqishëm për ndryshim.
Në përfundim, interpretimi i Kingsley dhe vizioni i Atenbora krijojnë një portret të pavdekshëm të Gandit, që mbetet një shembull për liderët dhe aktivistët e të gjitha kohërave.
 
Atentati
Filmi hapet me vrasjen e Gandhit  në vitin 1948 nga Nathuram Godse dhe funeralin e tij.
78-vjeçari Gandhi, i quajtur me nderim Mahatma si shenjë respekti, u vra pas një vigjilje lutjeje në Nju Delhi më 30 janar 1948. Vrasësi i tij ishte Nathuram Vinayak Godse, një fanatik hindu që besonte se Gandi kishte qenë shumë pajtues me pakicën myslimane të nënkontinentit Indian
Rreth orës 17:15, Gandi dhe dy mbesat e tij u larguan nga Shtëpia Birla, ku ai kishte jetuar, me qëllimin për t'i çuar ndjekësit e tij në një faltore verore aty pranë, ku ai shpesh bënte përkushtimet e tij në mbrëmje. Nathuram Godse iu afrua politikanit të brishtë, e përshëndeti dhe më pas qëlloi tre të shtëna nga një distancë e afërt nga një revolver i kalibrit të vogël që ai kishte fshehur, duke goditur Gandin në pjesën e sipërme të kofshës, barkut dhe gjoksit. Ndërsa Gandi ra në tokë, ai vuri dorën në ballë në gjestin hindu të faljes. Gandi u çua përsëri në Birla House dhe u vendos në një divan, me kokën e mbështetur në prehrin e mbesës së tij Mani, e cila disa minuta më vonë i tha turmës: "Bapu ka mbaruar". Fjalët e tij të fundit ishin, "Ai Ram, Ai Ram" të cilat përkthehen: "O Zot, O Zot".
 
 

“Aromë gruaje”, fjalimi brilant i një koloneli që bëri të dridhej një staf pedagogjik

 

 

Nga Leonard Veizi

 

Nderi dhe guximi nuk janë të kushtëzuara nga rrethanat, por nga zgjedhjet që bëjmë.

-Por jo spiun.

Me këtë togfjalësh leitnant-koloneli Frank Slejd mori në mbrojtje një nxënës shkolle, i cili nuk i tradhtoi shokët e tij, as kur drejtori përveçse e kërcënoi me përjashtimin nga shkolla e akuzoi si mashtrues e gënjeshtar. Dhe ky ishte vetëm fillimi i një fjalimi brilant, i bërë nga një burrë i verbër, ish-ushtarak i dalë në pension, përpara një stafi pedagogjik që po mundohej ta bënin brezin e ri të nxinin virtytet më të pastra të një shoqërie, por që jo gjithmonë arrinin t’ia dilnin.

-Cila është motoja këtu: djem tradhtoni shokët të shpëtoni bythën?

Leitnant koloneli Slajt nuk u ndal as kur drejtori mediokër kërkoi ta mbyllte fjalimin e tij përpara auditorit me nxënës e mësues bashkë. Dhe kjo është skena e një filmi që ka bërë epokë e që titullohet “Aromë gruaje”, ku një aktor si Al Paçino do të ngrinte suksesin e karrierës së tij deri tek fitimi i një çmimi të madh.

-Çarli nuk do të shesë askënd për të blerë të ardhmen e tij!! Dhe kjo, miqtë e mi, quhet integritet! Kjo quhet guxim! Tani Çarli është këtu. Ishte në udhëkryq. Por ai e zgjodhi një rrugë. Është rruga e drejtë. Është një rrugë e bërë me parime - që tregon karakter. Lëreni të vazhdojë udhëtimin e tij.

 

Romani

Gjithçka ka nisur nga “Il buio e il miele”, që është një roman i shkrimtarit italian Xhovani Arpino, i botuar në vitin 1969. Protagonisti i romanit është një ushtar i cili u bë invalid për shkak të një aksidenti gjatë një stërvitje. Nga ky roman u realizuan dy filma: “Profumo di donna” apo “Aromë gruaje” në vitin 1974, nga Dino Risi me Vitorio Gasman në rolin kryesor dhe “Scent of a Woman” “Aromë gruaje” në 1992, nga Martin Brest me Al Paçinon. Libri, pavarësisht përfundimit optimist, përshkohet nga "një ton i shkretë, që lë një ndjenjë hidhërimi të thellë - dhe shqetësimi - te lexuesi". Protagonisti është parë si një nga emblemat e vetmisë moderne.

 

“Profumo di donna”

“Aromë gruaje” e cila në gjuhën italiane është: “Profumo di donna” është një film komedi all'italiana i vitit 1974 me regji nga Dino Risi, bazuar në “Il buio e il miele” apo i ardhur në shqrip si “Errësira dhe mjalti”. Flitet për një kapiten italian i verbër, Fausto Konsolo, i shoqëruar nga ndihmësi i tij Çiço, i cili i është caktuar nga ushtria. Ai udhëton nga Torino për në Napoli për t'u takuar me një shok të vjetër. Shoqëruesi ishte shpërfytyruar në të njëjtin incident ushtarak që verboi kapitenin. I panjohur për ndihmësin e tij, Kapiteni do të përmbushë një pakt vetëvrasjeje me shokun e tij të vjetër. Ndërsa ata udhëtojnë, kapiteni i kërkon Çiços ta ndihmojë të dallojë gratë e bukura. I pakënaqur me përshkrimet e djalit, ai përdor nuhatjen në vend të tij, duke pretenduar se ndjen erën e një gruaje të bukur.

Si Risi ashtu edhe aktori kryesor Vitorio Gasman fituan çmime të rëndësishme italiane dhe franceze.

 

“Scent of a Woman”

“Aromë gruaje” është gjithashtu një film dramatik amerikan i vitit 1992, prodhuar dhe drejtuar nga Martin Brest. Filmi u përshtat nga Bo Goldmen prej romanit të shkrimtarit italian Xhovanni Arpino “Il buio e il miele”. Në filmin amerikan luajnë Al Paçino dhe Kris Or'Donëll, Filmi u xhirua kryesisht në shtetin e Nju Jorkut, tek ambjentet e Universitetit “Princeton”, në shkollën “Emma Willard”, një shkollë vetëm për vajza në Troi, në hotelin “Waldorf”-Astoria dhe shkollën “Fieldston” të Nju Jork Sitit. Filmi mori përgjithësisht vlerësime pozitive nga kritikët. Paçino fitoi çmimin Oscar si aktori më të mirë për interpretimin e tij. Filmi u nominua për regjisorin më të mirë, filmin më të mirë dhe skenarin më të mirë bazuar në materialet e prodhuara ose të publikuara më parë. Filmi fitoi tre çmime “Golden Globe”, për skenarin më të mirë, aktorin më të mirë dhe filmin më të mirë - dramë.

 

“Aromë Gruaje”

Tek "Aromë Gruaje" Al Pacino interpreton rolin kryesor të kolonelit në pension Frank Slejd, një veteran i verbër dhe problematik. Ky film, është një përzierje e thellë emocionesh dhe temash, duke përfshirë kuptimin e nderit, guximin dhe rëndësinë e miqësisë. Ngjarja zhvillohet gjatë fundjavës së Falënderimeve, kur një student i varfër, Çarli Sims, pranon të kujdeset për kolonelin Slejd si pjesë e një pune të përkohshme. Slejd, megjithatë, ka plane të tjera: ai e bind Çarlin që ta shoqërojë në një udhëtim luksoz në Nju Jork, ku synon të përjetojë disa kënaqësi të fundit para se të kryejë vetëvrasje. Filmi përfshin disa çaste të paharrueshme, si tangoja e Slejd me një grua të re në një restorant dhe xhiroja e tij me një makinë Ferrari, për të cilat Paçino shfaq një kombinim mjeshtëror të humorit dhe trishtimit. Këto çaste simbolizojnë përpjekjen e tij për të përjetuar ndjenjën e lirisë, përkundër kufizimit fizik që i ka sjellë verbëria. Në një pikë kyçe, Çarli përballet me presionin për të tradhtuar shokët e tij të klasës e për të shpëtuar bursën. Në fund, ai zgjedh integritetin përpara përfitimeve personale. Kjo zgjedhje përkon me filozofinë e jetës së kolonelit Slade, i cili gjithashtu po përballet veten me një vendim për jetën apo vdekjen. Verbëria e Slejd simbolizon më shumë se një kufizim fizik; ajo pasqyron gjithashtu mërzitjen dhe vetminë që vjen nga ndjenja e humbjes së qëllimit dhe krenarisë. Përmes marrëdhënies me Çarlin, Slejd fillon të ndryshojë. Miqësia e tyre i jep atij një arsye për të jetuar dhe për të rimarrë një farë nderi dhe shprese. Paçino jep një performancë të jashtëzakonshme, duke përshkruar një personazh kompleks që përzien dhimbjen e humbjes me karizëm dhe energji të papritur. Verbëria e tij portretizohet në mënyrë të besueshme, duke u fokusuar jo vetëm te aspektet fizike, por edhe te ndryshimi psikologjik dhe emocional që sjell ajo. Karakteri i Slade shndërrohet nga një burrë i thyer dhe cinik në dikë që gjen vullnetin për të jetuar, falë ndikimit të Çarlit. "Aromë Gruaje" është një film përballjesh: mes dritës dhe errësirës, dëshpërimit dhe shpresës, nënshtrimit dhe guximit për të qëndruar për atë që është e drejtë. Ai mbetet një vepër që i bën jehonë vlerave humane dhe fuqisë së lidhjeve njerëzore, duke lënë një mesazh të thellë për secilin që e shikon.

 

Morali i një fjalimi

Fundi i filmit është sa emocional aq dhe simbolik. Në skenën përfundimtare, Slejd flet me pasion në një gjyq shkollor ku mbron Çarlin, duke theksuar rëndësinë e integritetit. Ky çast jo vetëm që përfaqëson kulmin e transformimit të Slejd-it, por edhe forcon mesazhin qendror të filmit: nderi dhe guximi nuk janë të kushtëzuara nga rrethanat, por nga zgjedhjet që bëjmë. Fjalimi i kolonelit Frank Slejd në skenën e gjyqit në auditor është çast kulmor i filmit “Scent of a Woman” dhe përçon një mesazh të thellë për guximin moral, integritetin, dhe vlerën e karakterit.

Në këtë skenë, Slade mbron Çarli Sims, një nxënës i varfër që refuzon të tradhtojë shokët e tij për t'i shpëtuar ndëshkimit nga shkolla. Fjalimi është një përplasje me autoritetin e padrejtë dhe një mbrojtje e asaj që do të thotë të jesh i ndershëm dhe i drejtë në situata të vështira.

Slade përshkruan zgjedhjen e Çarlit si një akt kurajoje të veçantë. Ndërsa të tjerët zgjodhën rrugën e lehtë duke e tradhtuar besimin e shokëve, Çarli vendosi të mos e bëjë këtë, edhe pse e dinte se do të kishte pasoja. Sipas Slejd, ky është lloji i karakterit që duhet të promovohet dhe mbështetet. Slejd kritikon me forcë hipokrizinë e sistemit që shpërblen konformizmin dhe frikën, ndërsa dënon njerëzit me parime. Për të, shpirti i një njeriu është më i rëndësishëm se çdo përfitim afatshkurtër, dhe ai thekson se shoqëria nuk duhet t'i nënshtrojë individët për hir të rregullave të thata.

Slejd sugjeron se është e rrezikshme kur shoqëria ose institucionet edukative dështojnë të njohin dhe mbështesin integritetin tek të rinjtë. Duke mbrojtur Çarlin, ai argumenton se ata që tregojnë kurajë dhe besnikëri janë pikërisht ata që do të duhej të udhëhiqnin të ardhmen.

Koloneli përçmon idenë se sukseset e vogla në jetë duhen arritur duke tradhtuar parimet. Sipas tij, njeriu nuk duhet të humbë shpirtin dhe nderin për të siguruar një të ardhme të favorshme, sepse vlera e një personi qëndron te zgjedhjet e tij morale, jo te pasuritë apo pozitat.

Fjalimi i Slejd përçon mesazhin se jeta është e mbushur me kryqëzime ku duhet të zgjedhim mes rrugës së drejtë dhe asaj të lehtë. Ai vë theksin te guximi për të qëndruar besnik ndaj vetvetes, edhe kur kjo ka pasoja, sepse integriteti dhe nderi janë ato që i japin kuptim jetës.

Në fund, Slejd i mëson jo vetëm audiencës, por edhe vetes, se jeta ka vlerë kur mbështetet te guximi moral dhe lidhjet njerëzore, dhe se asnjë pengesë – as verbëria dhe as dëshpërimi – nuk duhet ta ndalojë njeriun të bëjë atë që është e drejtë.

Një makinë shkrimi për të konkurruar shkrimtarët e fejsbukut

Nga 

Leonard Veizi
 
Çfarë i ka gjetur shkrimtarët sot? Si në një mynxyrë ku rrokullisen pandalshëm gurë të rëndë ortekësh, ata kanë humbur lexuesit në mënyrë drastike. E për këtë shkak, - sipas një kolapsi ku kërkohet ndihmë emergjente me sinjale akustike e drita verbuese, - i janë drejtuar Facebook-ut. Të bindur se kjo platformë, që tallet me ne e na e ka futur kokën në bigë, do t’i shpëtojë. Dhe kjo situatë absurde i përshtatet fort asaj shprehjes se ai që po mbytet nuk shpëton dot duke u kapur pas valëve të detit.
Jemi në muajin Tetor, muaji i letërsisë. Ca e ca pretendojnë se po bëjnë aktivitete në nderim të 31 ditëve vjeshtore.
Pika që s’u bie!
Vetë shkrimtarët kanë lënë mjetet e vjetra e primitive të komunikimit – ndonjë pendë palloi e kallamaren me bojë, - dhe i janë përveshur dixhitalizimit. E kërkon koha, themi po ne që e shajmë dixhitalizimin po duke përdorur mjete dixhitale. Sepse është e pamundur të përdorësh mjetet e vjetra. Por në fakt, të gjithëve u duhet nga një makinë shkrimi. Si ato “Oliveti” që mbaheshin në çanta të vogla, po aq sa laptopët sot. Vetëm kështu mund të nisë konkurrimi i vërtetë, duke shkruar dhe një letërsi më të vërtetë.
Në një botë të mbizotëruar nga teknologjia dhe lidhjet virtuale, ku çdo mesazh mund të dërgohet me një klik, çdo mendim të shpërndahet në sekonda, ekziston ende diçka thellësisht e fuqishme në përjetimin e dorës që shkruan mbi letër, apo zhurmën ritmike të një makine shkrimi që përplaset me fletën e bardhë. Këto mjete, që dikur ishin simbol i epokave më të hershme të komunikimit dhe mendimit të përpunuar, sot përfaqësojnë një akt rebelimi ndaj diktatit të teknologjisë moderne.
Kur flasim për sistemin online, nuk mund të anashkalojmë fuqinë e shpejtësisë dhe efikasitetit që ai ofron. E-mail-et arrijnë në çast, artikujt publikohen me një klik në tastierë, dhe rrjetet sociale krijojnë komunitete globale që ndërveprojnë me shpejtësi. Megjithatë, ky përshpejtim i vazhdueshëm i procesit të krijimit ka ndikuar edhe në natyrën e mendimit tonë. Në një epokë ku gjithçka bëhet për t’u konsumuar sa më shpejt, ku lajmi i mëngjesit në drekë duket krejt i vjetëruar dhe postimi i pasdites harrohet deri në mbrëmje vonë, çfarë ndodh me mendimin e thellë, reflektimin dhe artin e përpunimit të fjalës?
Në këtë pikë hyn në skenë letra dhe makina e shkrimit. Ato përfaqësojnë ngadalësimin e qëllimshëm, një mënyrë për t’i dhënë mendimit hapësirën dhe kohën që meriton. Kur ulesh për të shkruar një letër, ndien peshën e fjalëve, rëndësinë e secilit rresht, sepse nuk mund t’i fshish lehtësisht, nuk mund t’i editosh pafundësisht. Po ashtu, makina e shkrimit kërkon një saktësi të lartë, një përkushtim të veçantë. Çdo fjali është një angazhim.
Mirëpo të gjithë ne sot preferojmë teknologjinë. Shkrimtarët gjithashtu. Dhe shpresojnë që marketingun të mos ua bëjë më një person konkret me emër njerëzor por një mekanizëm industrial, me emër teknologjik që fshihet pas qarqesh e diodash apo hard-esh e softuer-ësh.
Në këto kohë moderne të High Tech-ut, një dukuri gjithnjë e më e përhapur në botën e letërsisë është ajo e shkrimtarëve që përdorin rrjetet sociale, si Facebook, për të promovuar veprat e tyre. Nëse dikur libra të caktuar gjenin lexues përmes librarive, kritikëve apo ndikimit me fjalën e thënë, tani shumë autorë i drejtohen internetit për të krijuar lidhje të drejtpërdrejta me audiencën. Mirëpo, ajo që duket se po ndodh gjithnjë e më shpesh është se shkrimtarët, për shkak të shitjeve të dobëta apo mungesës së interesit, shpesh mburren në mënyrë të tepruar me librat e tyre. Ata përpiqen të krijojnë zhurmë virtuale, ndonjëherë në mënyrë të shtirur, për të kompensuar humbjen e kontaktit me lexuesit realë.
E ku kanë përfunduar shkrimtarët, që dikur mbaheshin si ajka e shoqërisë.
Facebook-u dhe platforma të tjera ofrojnë një hapësirë të lirë për vetë-promovim, ku çdo autor mund të krijojë një imazh të ngarkuar me sukses të madh, ndonëse realiteti është krejt tjetër. Një postim për një libër të ri shpesh shoqërohet me fryrje rreth përmbajtjes së tij, sukseseve që ndoshta nuk janë vërtetuar nga shitjet, dhe ndonjëherë me kritikë të mbështetur në referenca të vakëta apo miq të afërt. Paradoksi qëndron në faktin se, ndërsa librat nuk shiten në të njëjtat sasi si më parë, shkrimtarët përpiqen ta kompensojnë këtë përmes krijimit të një narrative të mbushur me lavdërime virtuale. Kjo është si të thuash: të ngopesh me lugën bosh.
Një shkrimtar i vërtetë i njeh kufijtë e letërsisë së tij dhe, më e rëndësishmja, e kupton rëndësinë e lexuesit të angazhuar. Mirëpo, përballë mungesës së reagimit nga lexuesit dhe dështimit të shitjeve, disa autorë mbështeten te perceptimi virtual, që shpesh është më iluzion se sa realitet. Në këtë kuptim, Facebook-u shërben si një teatër për ata që nuk pranojnë të përballen me vështirësitë e tregut letrar modern. Kjo krijon një boshllëk të ndjeshëm: një shkrimtar që mburret për librin e tij në Facebook, pa e ditur ose pa dashur të pranojë se libri i tij, në të vërtetë, nuk po lexohet nga askush.
Duket sikur çdo postim që mburret me një libër të ri është një thirrje për ndihmë, një përpjekje për të ruajtur një status që dikur ishte më i qëndrueshëm. Por në fund, vlera e një libri nuk përcaktohet nga sa shumë është shpërndarë apo pëlqyer në Facebook, por nga ndikimi që lë tek ata që e lexojnë.
Në epokën dixhitale, të kesh durimin të shkruash një letër me laps a penë, ose të përdorësh një makinë shkrimi, është një akt radikal. Është një mënyrë për të thënë se jo gjithçka ka nevojë për shpejtësi, jo çdo mendim duhet të jetë i përkohshëm. Letra dhe makina e shkrimit nuk konkurrojnë me teknologjinë moderne në aspektin e shpejtësisë apo aksesit, por përkundrazi, sfidojnë natyrën e konsumit të shpejtë, duke i dhënë një zë të ri thellësisë dhe vëmendjes. Ato përfaqësojnë një mënyrë të re, të vjetër, për të krijuar dhe për të ndarë mendime, një mënyrë që u bën thirrje ndjenjave dhe kujtimeve të një kohe kur fjala kishte peshë më të madhe.
Një letër e shkruar me dorë ose në një makinë shkrimi nuk është vetëm një mesazh – ajo është një përvojë, një reflektim i mendimeve dhe emocioneve të autorit. Në kohën kur gjithçka është e hapur për publikun dhe informacioni është i aksesueshëm në çdo moment, një letër apo një dorëshkrim përfaqëson një intimitet dhe një autenticitet që teknologjia e sotme nuk mund ta rivalizojë.
Pra, ndonëse në sipërfaqe duket si një garë e pabarabartë mes mjeteve tradicionale të shkrimit dhe sistemit online, ajo çfarë letra dhe makina e shkrimit sjellin në këtë "konkurrencë" është një mënyrë tjetër e të menduarit. Ato i sfidojnë individët të ndalen, të reflektojnë dhe të krijojnë diçka me kuptim të përhershëm. Dhe pikërisht në këtë qëllim, ato triumfojnë mbi çdo sistem dixhital që shpërndan fjalë me shpejtësi marramendëse por shpesh pa thellësi.
Në fund të fundit, konkurrenca nuk qëndron në kapacitetin për t’i tejkaluar kufijtë teknologjikë të botës online, por në fuqinë për të ruajtur atë që është njerëzore – lidhjen e vërtetë, përvojën fizike të krijimit, dhe përkushtimin ndaj artit të mendimit.
“Hey guys”, largohuni nga Facebook-u. Ai është për të hedhur statuse me pak kripë e një çikë piper, por nuk ka të bëjë me mendimin e konsoliduar, të cilin keni marrë përsipër ta hidhni nga truri brenda kokës tuaj, në një fletë të bardhë.

ARMIR, dështimi i armatës italiane në frontin e Lindjes, ku u vranë 85 mijë burra

 

Nga Leonard Veizi

 

Nuk ishte fushata në Abisini, as ajo në Shqipëri dhe as ajo kundër Greqisë. Por shkatërrimi i Armatës në Frontin e Lindjes do t’i kushtonte shumë shtrenjët Bentto Musolinit, karrierën dhe jetën e tij...

 

...Në kulmin e konfliktit botëror, më 21 qershor 1941, Adolf Hitleri vendosi të niste një sulm kundër Rusisë. të koduar: Operacioni Barbarossa. Udhëheqësit ushtarakë gjermanë ishin të bindur se çështja do të mbyllej maksimalisht për pesë javë. Musolini i bindur për rëndësinë dhe suksesin e operacionit kërkoi të ishte në krah të aleatit të tij. Ndaj në korrik 1941 ai formoi Forcën e Ekspeditës Italiane në Rusi (CSIR). Musolini i kërkoi Adolf Hitlerit të miratonte dërgimin e trupave shtesë. Gjermanët ishin përgjithësisht indiferentë ndaj propozimeve italiane dhe e shtynë vendimin për një kohë të gjatë. Pas indiferencës fillestare, më 29 dhjetor 1941 Hitleri informoi Musolinin se kishte pranuar kërkesat e tij për të dërguar forca të tjera në Bashkimin Sovjetik. Kjo lidhej padyshim me faktin se operacioni Barbarossa, megjithë fitoret e mëdha, nuk ishte zgjidhur në mënyrë vendimtare.

 

***

Armata italiane në Frontin e Lindjes, e njohur nëpërmjet akronimit ARMIR - Armata Italiane në Rusi, - u dërgua për të ndihmuar forcat gjermane në fushatën kundër Bashkimit Sovjetik gjatë Luftës së Dytë Botërore. E krijuar me vullnetin e vetë Musolinit, ajo përbëhej nga departamentet që formonin Forcën e Ekspeditës Italiane në Rusi (CSIR), në frontin lindor që nga korriku i vitit 1942, dhe divizione nga fronte të tjera.

 

Fuqia e Armatës

Ushtria e 8-të italiane (e njohur edhe në Luftën e Parë Botërore si Ushtria e Montello-s) ishte një njësi e madhe e Ushtrisë Mbretërore që mori pjesë në Betejën e Vittorio Veneto në Lufta e Parë Botërore dhe në Luftën e Dytë Botërore deri te Fushata Ruse. Ishte ushtria që operoi në Frontin Lindor midis korrikut 1942 dhe marsit 1943, në mbështetje të forcave gjermane të Wehrmacht të angazhuara në frontin e Stalingradit . Nën komandën e gjeneralit Italo Gariboldi, Ushtria e 8-të u inkuadrua në Grupin B të Ushtrisë së Maximilian von Weichs dhe u vendos në mes të Donit për të mbrojtur krahun e majtë të forcave gjermane që kishin nisur sulmin në qytetin e Stalingradit.

Armata përbëhej nga divizionet Torino, Pasubio, Cosseria, Ravenna, Sforzesca, Vicenza, Cuneense, Julia dhe Tridentina, së bashku me shumë njësi më të vogla.

Krijimi i kësaj ushtrie të re, përbëhej nga afërsisht 229 mijë burra.

Pajisja e armëve dhe e automjeteve përbëhej nga 224 mitralozë 20 mm, 28 mitralozë 65/17, 600 copë topa artilerie, 52 armë moderne kundërajrore 75/46, 297 armë antitank 47/32 (nga të cilat 19 vetëlëvizëse) të cilave u shtoheshin 36 copë 75/32 të Regjimentit 201 të Artilerisë së Motorizuar dhe 54 75 antitank të furnizuara nga gjermanët sapo morën vesh për cenueshmërinë e divizioneve italiane ndaj sulmeve me tanke.

Megjithatë, ARMIR u përball me një sërë sfidash që çuan në dështimin e saj.

Korpusit të Ushtrisë i caktohen tre divizione të shpallura "të vetëtransportueshme", Divizioni i 9-të i Këmbësorisë " Pasubio ", Divizioni i 52-të i Këmbësorisë "Torino" dhe Divizioni i 3-të i Shpejtësisë "Princi Amedeo Duca d'Aosta" dhe Komanda e Aviacionit. Në total, CSIR ka 62,000 burra, 83 avionë, 220 armë të kalibrit midis 20 dhe 105 mm, 92 armë antitank dhe 5,500 automjete. Divizionet "të transportueshme me makina" u bënë më pas një kryqëzim midis një divizioni këmbësorie dhe një divizioni të motorizuar, të diktuar nga nevoja dhe mungesa e mjeteve. Në fakt, për çdo ndarje flota e automjeteve është e pamjaftueshme. Për më tepër, mungesa e mjeteve të blinduara kufizoi rëndë fuqinë e zjarrit dhe lëvizshmërinë e trupave, dhe vetëm "Celere" kishte të vetmen njësi të blinduar të CSIR, përkatësisht 60 tanke të lehta 3-tonëshe të tipit L3/33.

 

Goditja sovjetike

Forcat e Gariboldit u përdorën më pas për pushtimin statik të një shtrirjeje dyqind e shtatëdhjetë kilometra të frontit të Donit, midis Pavlovsk dhe grykëderdhjes së lumit Chopër, ku që në ditët e para u angazhuan për t'i bërë ballë sulmeve të vazhdueshme dhe rraskapitëse sovjetike. Dislokimi përfundimtar i njësive italiane, i përforcuar edhe nga disa divizione gjermane, përfundoi vetëm në fillim të nëntorit, vetëm pak ditë para fillimit të ofensivës sovjetike kundër ushtrive rumune në veri dhe në jug të Stalingradit. Pasi mposhti forcat rumune, më 23 nëntor Ushtria e Kuqe rrethoi Ushtrinë e 6-të Gjermane në Stalingrad dhe e gjithë kjo përfundoi duke patur pasoja serioze në Armatën e 8-të, e cila e gjeti veten me krahun e djathtë të ekspozuar dhe njësitë gjermane të përforcimit të dërguar në mbështetje.

Më 16 dhjetor, ushtria italiane u godit nga forcat sovjetike të përfshira në operacionin “Piccolo Saturno”, i cili pushtoi Korpusin II dhe XXXV të Ushtrisë Italiane dhe shkaktoi shpërbërjen totale të dislokimit italian dhe të detashmentit gjermano-rumun "Hollidt". Ajo që pasoi ishte një tërheqje e çrregullt nëpër fushën sovjetike, e cila parashikoi për rreth një muaj tërheqjen katastrofike të Korpusit të Ushtrisë Alpine pas ofensivës së dytë dimërore sovjetike në janar 1943. Trupat alpine nuk u prekën nga ofensiva e dhjetorit dhe në janar ishte ende i vendosur në Don, në jug të ushtrisë së dytë hungareze ; por më 11 janar filloi ofensiva e re sovjetike, e cila pushtoi mbrojtjen hungareze dhe midis 15 dhe 16 edhe ato të Korpusit Alpin. Kështu filloi një tërheqje dy-javore në të gjithë stepën ruse, e cila përfshinte humbje të mëdha, përfundoi më 31 janar dhe dekretoi në mënyrë efektive fundin e ndërhyrjes italiane në Frontin Lindor dhe fundin e vetë Ushtrisë së 8-të.

Humbjet e divizioneve italiane gjatë ofensivave sovjetike të dhjetorit dhe janarit ishin shumë të rënda: rreth 84.930 humbje totale me humbje të mëdha materialesh dhe automjetesh.

Duke filluar nga data 6 mars, të mbijetuarit e divizioneve italiane do të riatdhesohen në mënyrë progresive.

 

Problematikat që çuan drejt disfatës

Një nga problemet kryesore e armatës ARMIR ishte logjistika e dobët. Forcat italiane ishin të pa përgatitura për dimrin e ashpër rus dhe terrenin e vështirë. Pajisjet e tyre ishin të pamjaftueshme dhe transporti i furnizimeve ishte i vështirë, duke çuar në mungesa ushqimore dhe materiale esenciale.

Ushtarët italianë nuk kishin përgatitjen e nevojshme për luftimet në kushte të rënda dimri. Shumica e tyre nuk kishin veshje të përshtatshme për të përballuar temperaturat e ulëta dhe nuk ishin të trajnuar për të luftuar në terrene të ftohta dhe me dëborë.

Morali i trupave ishte i ulët. Shumë ushtarë nuk ishin të motivuar dhe kishin dyshime për qëllimin e luftës në Rusi. Për më tepër, kishte probleme në zinxhirin komandues, me mungesë koordinimi dhe udhëheqjeje të fortë.

Forcat sovjetike ishin të përgatitura më mirë dhe kishin avantazhe të mëdha në numra dhe pajisje. Kur filloi kundërofensiva sovjetike në dimrin e vitit 1942-1943, forcat italiane u gjendën të rrethuara dhe pa mbështetje adekuate.

Ndërsa forcat italiane ishin teorikisht nën komandën e përgjithshme gjermane, ato shpesh nuk merrnin mbështetjen e nevojshme nga aleatët e tyre gjermanë. Kjo mungesë mbështetjeje i la italianët të ekspozuar dhe të pa mbrojtur ndaj sulmeve sovjetike.

Rezultati ishte një katastrofë për ARMIR. Mijëra ushtarë italianë u vranë, u plagosën ose u kapën. Humnerat e rënda dhe dështimi i ARMIR ndikuan në moralin e popullsisë italiane dhe kontribuuan në rënien e regjimit fashist të Benito Mussolinit.

Në përfundim, ARMIR dështoi për shkak të kombinimit të mungesave logjistike, përgatitjes së pamjaftueshme, moralit të ulët, kundërshtarit të fortë dhe mungesës së mbështetjes efektive nga aleatët gjermanë. Kjo fushatë tragjike mbetet një shembull i qartë i pasojave të planifikimit dhe menaxhimit të dobët në luftë.

 

Armata ARMIR në libra:

Ka disa libra dhe filma që trajtojnë historinë e ARMIR dhe përvojat e ushtarëve italianë në Frontin e Lindjes. Disa prej tyre janë:

-"Centomila gavette di ghiaccio" nga Giulio Bedeschi - Ky libër përshkruan përvojat personale të autorit si një oficer mjekësor në Frontin e Lindjes dhe sfidat me të cilat u përball ARMIR gjatë luftës në Rusi.

-"Italiani sul Don" nga Mario Rigoni Stern - Ky libër është një tjetër përshkrim personal i përvojave të ushtarëve italianë në fushatën e Rusisë, shkruar nga një veteran i ARMIR.

-"The Italian Army in Russia: A Nightmare in History" nga Mario de Arcangelis - Ky libër ofron një analizë historike të fushatës së ARMIR në Rusi dhe arsyet e dështimit të saj.

 

Armata ARMIR filma:

-"Italiani brava gente" prodhim i vitit 1964 - Një film dramatik i regjisorit Giuseppe De Santis që trajton përvojat e ushtarëve italianë në Frontin e Lindjes gjatë Luftës së Dytë Botërore.

-"Il sergente nella neve" prodhim i vitit 1968 - Bazuar në librin me të njëjtin emër nga Mario Rigoni Stern, ky film përshkruan përvojat e një grupi ushtarësh italianë të kapur në rrethimin e Stalingradit.

Këto burime ofrojnë një pasqyrë të thellë dhe emocionale të përvojave të ushtarëve italianë në Frontin e Lindjes dhe sfidave me të cilat u përballën gjatë kësaj periudhe të vështirë historike.

“Njeriu me shenjë”, si u shndërua italiani Al Kapone në kubanezin Toni Montana

Nga Leonard Veizi

 

Për të thuhet se është më shumë se një film; është një fenomen kulturor që vazhdon të frymëzojë dhe të provokojë diskutime. Ndikimi i tij në kinematografinë moderne dhe në kulturën pop është i pamohueshëm, duke e bërë atë një klasik që do të mbetet i rëndësishëm për brezat e ardhshëm...

 

...“Scarface” një nga filmat më emblemë të historisë së kinemasë, është një ribërje moderne e filmit gangster klasik të vitit 1932 me të njëjtin titull, por i kthyer në një vizion të freskët dhe të dhunshëm për epokën e viteve '80. Gjithçka u bazua në romanin me të njëjtin emër të botuar për herë të parë në 1930 nga Armitage Trail.

Në film është historia e një gangësteri, si një reflektim i përjetshëm mbi ambiciet njerëzore dhe rreziqet që ato sjellin. Ky film, i drejtuar nga Brian De Palma dhe me skenar nga Oliver Stone, u lançua në vitin 1983 dhe u bë shpejt një kult klasik. Al Pacino interpreton rolin kryesor të Tony Montana-s, një emigrant kuban që kërkon të mbizotërojë në botën e krimit në Miami. Ai e fillon nga zero dhe arrin të bëhet një bos i fuqishëm droge. Historia e tij është një paralajmërim për pasojat e lakmisë dhe dhunës, por gjithashtu një reflektim mbi ëndrrën amerikane dhe sfidat që lidhen me të.

 

Toni Montana

"Scarface" trajton temat e ambicies, dhunës dhe korrupsionit. Që në fillim të filmit, Tony Montana shfaqet si një njeri me një vetëbesim të jashtëzakonshëm dhe me një dëshirë të pakufishme për sukses. Ndryshe nga gangsterët tradicionalë të kinemasë, që shpesh kanë disa kode morale ose etikë të deformuar, Montana përfaqëson një lloj të ri të anti-heroit: një personazh që nuk ndalet para asgjëje për të arritur suksesin, pavarësisht kostove morale apo emocionale. Motoja e tij e famshme, "Merrni paratë, pastaj vjen pushteti, dhe pastaj gratë," përmbledh filozofinë e tij të jetës dhe mendësinë kapitaliste ekstreme që përçon filmi.

Montana është një individ që përballet me një botë të ndërtuar mbi dhunë dhe vrazhdësi dhe ai e përqafoi këtë botë në maksimum, duke e përshpejtuar rrugën e tij drejt majës përmes një shfaqjeje të papërmbajtur të forcës dhe dhunës. Megjithatë, ndryshe nga shumë anti-heronj të kinemasë që shfaqin një brishtësi të caktuar, Montana është një figurë shumë më komplekse. Ai është një personazh që ngjall simpati dhe përbuzje njëkohësisht; ai mishëron dështimin e ëndrrës amerikane të konsumuar nga lakmia dhe korrupsioni.

Regjisori Brian De Palma përdor një estetikë vizuale shumë të veçantë për të theksuar karakterin shpërthyes dhe të papritur të jetës së Montana-s. Me një ngjyrim të ndritshëm, pamje madhështore të Miami-t të viteve '80 dhe një kolorit që e thekson jetën luksoze, filmi arrin të krijojë një atmosferë të mbushur me tension dhe dekadencë. De Palma përdor gjerësisht kamerën për të treguar dhunën e pamëshirshme të jetës së krimit, duke mos i kursyer shikuesit detaje të errëta dhe brutale.

Një skenë emblematike është ajo e përfundimit të filmit, kur Tony Montana përballet me vdekjen e tij në një përplasje të përgjakshme me armiqtë e tij në vilën luksoze që ai kishte ndërtuar përmes tregtisë së drogës. Kjo skenë përmbledh tragjedinë e Tony-t, duke e treguar atë si një mbret të vetëm dhe të çoroditur, të rrethuar nga armiqtë dhe i rrënuar nga përmbysja e jetës që kishte ndërtuar.

 

Ndikimi i filmit

Përveç temave të errëta dhe të dhunshme, "Scarface" ka pasur një ndikim të madh në kulturën popullore. Shprehje të tilla si "Say hello to my little friend!" janë bërë pjesë e leksikut të përditshëm, dhe karakteri i Tony Montana-s është përdorur shpesh si simbol i ambicies së pakufishme dhe konsumimit të vetes nga fuqia. Filmi ka pasur një ndikim të jashtëzakonshëm në botën e muzikës, sidomos në hip-hop, ku shumë artistë kanë gjetur frymëzim në rrugën e Montana-s për t'u ngjitur nga varfëria në pasuri.

"Scarface" jo vetëm që shfaq një karakter i cili bie viktimë e ambicies së tij të pakufishme, por edhe kritikon në mënyrë të mprehtë një shoqëri që shpesh lavdëron suksesin material pa marrë parasysh mjetet me të cilat arrihet ai sukses. Tony Montana është një shembull i njeriut që përpiqet të mbijetojë në një botë të dominuar nga dhuna dhe lakmia, por që përfundimisht bëhet viktimë e po atyre forcave.

Muzika, e kompozuar nga Giorgio Moroder, kontribuon gjithashtu në ndjenjën e tensionit dhe dramatizmit që karakterizon filmin.

Përveç suksesit të tij në box office, "Scarface" ka influencuar një brez të tërë artistësh, duke përfshirë muzikantë, regjisora dhe shkrimtarë. Referencat në film janë të pranishme në shumë këngë të hip-hop-it, ku artistët shpesh e përdorin figurën e Tony Montana si simbol të sukseseve dhe sfidave që përballen në jetën e tyre.

Megjithëse filmi ka arritur një status kult, ai gjithashtu ka hasur kritika për përmbajtjen e tij të dhunshme dhe për mënyrën se si trajton temat e racizmit dhe stereotipizmit. Disa kritikë argumentojnë se "Scarface" glorifikon krimin dhe dhunën, duke krijuar një imazh të deformuar të realitetit.

Në përfundim, "Scarface" është një film që kap në mënyrë të fuqishme dilemën e një shoqërie të konsumuar nga ambiciet dhe dëshirat e tepruara, ndërsa e portretizon Tony Montana-n si një figurë tragjike, por të paharrueshme në historinë e kinemasë.

 

Tony Camonte

Versioni origjinal i "Scarface" i vitit 1932, me titull të plotë “Scarface: The Shame of the Nation”, është një nga filmat më të rëndësishëm dhe influencues të epokës së artë të filmave gangster. Regjisor i tij ishte Howard Hawks, ndërsa skenarin e shkroi Ben Hecht. Filmi bazohet lirshëm në jetën e gangsterit të famshëm Al Capone dhe përfaqëson një kritikë të fortë ndaj botës së krimit të organizuar dhe shoqërisë amerikane gjatë epokës së ndalimit të alkoolit (Prohibition).

Në këtë version të parë, personazhi kryesor quhet Tony Camonte, i interpretuar nga aktori Paul Muni. Camonte është një emigrant italian që ngjitet në botën e krimit në Çikago, një qytet i kapur nga korrupsioni dhe dhuna e bandave gjatë viteve 1920. Ashtu si Tony Montana i versionit të vitit 1983, Camonte është një karakter brutal dhe i pamëshirshëm që do të ndalet para asgjëje për të marrë pushtetin. Ambicia dhe dëshira e tij për të dominuar në tregtinë e alkoolit e çojnë atë në një rrugë të përgjakshme që përfundon në shkatërrimin e tij.

Filmi ofron një vështrim kritik mbi jetën e gangsterëve dhe mbi qasjen e shoqërisë ndaj krimit të organizuar. Në shumë aspekte, "Scarface" i vitit 1932 është një analizë morale për natyrën e krimit dhe lidhjen e tij me korrupsionin social dhe politik të kohës. Autoritetet shpesh e shikonin botën kriminale si një reflektim të dështimeve sociale, dhe filmi nuk nguron të tregojë mënyrën sesi gangsterët i përshkruajnë si mbretër të paprekshëm, të cilët përfitojnë nga ligjet e dobëta dhe korrupsioni.

"Scarface" (1932) është i njohur për nivelin e lartë të dhunës për kohën e tij. Filmi pati shumë probleme me censurën për shkak të skenave të përgjakshme dhe përmbajtjes së tij të fortë.

Një aspekt interesant i prodhimit të "Scarface" (1932) është përballja me *censurën e rreptë* të kohës. Komitetet e censurës, veçanërisht ata të Hays Code, ishin shumë kritikë ndaj filmit për shkak të dhunës së tij ekstreme dhe përshkrimit simpatizues të gangsterëve. U kërkua që të bëheshin ndryshime të mëdha në fundin e filmit dhe në mesazhin moral të tij. Një version alternativ i fundit u xhirua ku Tony Camonte kapet dhe dënohet nga drejtësia, një fund më i pranueshëm për standardet e asaj kohe.

Megjithatë, Howard Hawks dhe producenti Howard Hughes luftuan për të ruajtur vizionin origjinal të filmit, dhe përfundimisht arritën të mbajnë një pjesë të madhe të dhunës dhe pamjeve shokuese. Ky konflikt me censurën vetëm sa i rriti famën filmit dhe e bëri atë më të dëshiruar për publikun.

"Scarface" i vitit 1932 është një nga filmat më të rëndësishëm të epokës së tij, dhe vendosi një precedent për filmat e mëvonshëm të gangsterëve. Ai pati një ndikim të madh në zhanrin kriminal, duke formuar mënyrën se si gangsterët u portretizuan në ekran për dekada me radhë. Roli i Paul Muni-t si Tony Camonte u vlerësua shumë dhe filmi shërbeu si një kritikë sociale ndaj korrupsionit dhe ambicieve të pakontrolluara.